未來太遙遠-畫霓的女孩

法國於五O年代末期之時，戰後初年的理想主義與政治運動，逐漸被一種較為非政治的消費與休閒文化所取代。這個新興世代被人們冠以「新浪潮」（nouvelle vague, new wave）稱之，並且隨即主導整個法國。許多年輕人都閱讀電影期刊，並且參與電影俱樂部和藝術與實驗電影院的放映活動，並且期盼著比起那些精緻電影更為離經叛道的影片。法國新浪潮是造成那些份起拍攝個人電影，藉以挑戰傳統工業的年輕導演浪漫形象的主要群體。但是，大部分與新浪潮關係密切的導演，甚至是一些平庸電影工作者，很快的都擠身主流，然而這些群體的一些成員，不僅提倡了一種個人電影的新觀念，並且貢獻了創新的電影形式與風格。
新浪潮的主要導演，曾經都是《電影筆記》的影評人，這些人是作者論的強烈擁護者，他們深信導演應該表現出一種個人的世界觀，這個是也不僅在電影劇本中呈現，也能透過電影的風格表現。新浪潮所造成的第一波衝擊，來自1959至1960年之間的四部影片。夏布洛的《美好的瑟吉》和《表兄弟》兩片、楚浮的《四百擊》和高達的《斷了氣》。

五O年代初期是電視出現的時代，因為電視的出現，開始有人質疑電影是否仍具有存在的必要性。但是，事實上，此時期的電視影像，都是窄小、不起眼，而且是黑白的。電影製作人試圖藉由改變電影的外貌與聲音，吸引電視機前的觀眾，重返戲院觀賞電影。彩色電影的拍製，是一個區隔電影與電視最顯而易見的方法，是以在五O年代初期，好萊塢彩色電影比率從百分之二十遽升至百分之五十。許多電影都採用三O年代發展成熟的三調（three-strip）系統、色調轉換的特藝彩色技術。但在一九五O年伊斯曼公司推出一種單調（one-strip，單束monopack）的彩色軟片。伊斯曼彩色軟片能夠在任何攝影機顯影，並且易於沖印。伊斯曼單束膠片感光乳劑的簡易性，促使彩色影片製作的增加。到了1967年彩色電視益形普遍的時候，好萊塢已經完全致力於彩色電影的製作。除此之外，片廠至此仰賴銷售電視版權，而電視網也要求彩色影片，以供播放使用。但是，伊斯曼軟片容易褪色，特別是如果影片在倉促的情況下處理完成。到了七O年代初期，許多拷貝和負片都轉化出現一種粉紅或是令人作嘔的腥紅。
除了彩色電影在此時期提供了一個電視無從匹敵的吸引力。電影更為寬廣的影像也有同樣的功效。從一九五二到一九五五年之間，許多寬銀幕的技術紛紛問世。新藝拉瑪（Cinerama）在1952年推出，它是一種三部投射（three-projector）的系統，能夠創造出多重畫面（multipanel）的影像。效果不是那麼精緻的新藝綜合體（CinemaScope），則是由二十世紀福司公司所開發，並且首次在《聖袍千秋》（The Robe,1953）片中展現。新藝綜合體因為運用傳統的35釐米膠片，以及相當簡單的光學器材，是以成為最受歡迎的寬銀幕系統之一，幾乎所有的片廠都採用新藝綜合體，稍後也出現了運用70釐米膠片的技術，以《奧克拉荷瑪之戀》（Oklahoma!! 1955）為最有名。
（以上資料來源：《電影百年發展史》）

本十年度最重大的一件事是，奧森威爾斯(Orson Welles)在1941年完成了史上最偉大的電影之一《大國民》(Citizen Kane)，那時他才年僅26歲。《大國民》描述一名報業大享漫長一生中的主要事件。
首先，片頭即描述報業大亨孤獨地在巨宅逝世，一名雜誌記者為了探究其生前的真實面貌，從很多人口中收集到不同的說法，可是他到最後仍無法將這些資料拼成一個結果來。片中主角肯恩乃刻意射影美國報業大王赫斯特。 主題由於劇情的發展與鋪述，變得撲朔迷離，每個人都可以找到自己的觀點。但有一觀點是一致的，那就是它摧毀了一項夢的憧憬。嘲諷美國社會裏許多浮士德式的人物，為得到整個世界的欲望而出賣自己的靈魂。雖然是一個大人物的成敗史，然而即是一個縮圖，涵蓋的是整個物質世界裏追求欲望滿足的人們，也是影史上被討論最多次的一部片。
本片在影史上的經典地位在於嘔心瀝血安排而成的影像，並且運用許多在當時相當新穎的拍攝手法，包括有：深焦攝影、暗調燈光、前景及背景的極度反差、逆光、側光，垂直角度、大遠景(epic long shots)、大特寫對剪、炫目的升降鏡頭等，並且質感豐富、構圖大膽、還有包含了天花板的場景和特效總匯。就攝影風格而言，《大國民》引進一大革新，間接質疑了古典派那種不教人注意到攝影機存在的隱形風格。而在「深焦攝影」的部分，更是本片一直被提起原因，本片攝影師葛雷‧拖蘭在當時已是最受好評的攝影師，在三O年代便經常試用身焦攝影，尤其是在與威廉‧惠勒合作的作品中，但在《大國民》中的深焦遠比惠勒的用法極端。深焦攝影用到的是廣角鏡(Wild-angle lenses)，可吸引觀眾的注意，主動去挖掘畫面的訊息，這種鏡頭能拉大人物間的距離—特別適合象徵分離、疏離和寂寞。

在有聲片出現之前，多數的默片都會以鋼琴、風琴甚至整個管弦樂團的演奏音樂伴隨映演，聲音效果也粗略的配合銀幕上的動作，也有發明家試圖將留聲機唱片機械複製聲音，結合於銀幕上的影像，但是在一九二O年代中期之前，都沒有獲得太多的成果。主要的原因是，聲音和影像終究很難達到同步，另一方面則是因為揚聲機和擴音器的功能，無法因應戲院的映演廳。同步聲音引進的時間，一般看法是在1927年，當時華納兄弟堆出了大受歡迎的《爵士歌手》(The Jazz Singer)。《爵士歌手》（葛羅斯蘭導演）在1927年的10月6日首映。全片大部分的片段，都只有管弦配樂，而其中有四場戲歌舞明星艾爾‧喬森（Al Jolson）開口唱歌，甚至短暫的講了幾句話（「你還沒聽到其他的呢！」You ain’t heard nothin’yet ），這樣的歌曲，歌詞當然比不上莎士比亞的台詞，但是卻琅琅上口，人人愛唱。據說，在拍此片之時導演亞倫‧葛羅斯蘭(Alan Gresland)差點就把主題曲砍掉，幸虧老闆Sam Warner的堅持而得以保留下來。《爵士歌手》造成的旋風，證明了聲音可能不僅只是複製舞台表現和音樂的一種廉價方式。然而此種影片也只能算是「部分講話」(part-talkies)的影片，直到1928年才出現了第一部「百分之百講話」的電影《紐約之光》(The Lights of New York)，同樣也大受歡迎。
值得一提的是在1952年的《萬花嬉春》中特別記錄了這段由無聲進入有聲的時期，由《萬花嬉春》中可以知道歌聲是從藏在花盆中的擴音器發出的，因此演員的一舉一動都會影響到收音的效果。有聲影片最初在拍攝期間，由於攝影機會發出聲響，因此只能藏在隔音櫥、隔音箱中，才能收到乾淨清晰的聲音。在有聲影片開始大為風行以後，為了因應聲音與影像的結合，好萊塢片場一些原有的默片演員開始有不適任的情形發生，一些知名的演員漸銷聲匿跡，取而代之的則是，百老匯能歌善舞的演員，而對白的詞則是大都出自於名作家史葛‧費滋‧傑羅德和威廉‧福克納，歌曲則由百老匯最好的樂隊所編寫。
（以上資料來源：《電影百年發展史》、《速成讀本—電影》）

1918到1923年之間，一批新生代的電影工作者嘗試將電影視為一種藝術形式，進行探索創作，從此二十年代由法國電影創作者路易‧迪盧克(Louis Delluc)及其友人創立的這個電影學派便稱為「印象派」。這一名詞由法國電影史家亨利朗格盧瓦倡議使用第一次世界大戰結束後，法國電影業在美國電影的競奇壓力下日趨褒徽，影片年產量直線下降，質量也日見低劣，這種情況下迪盧克通過他主辦的《電影》雜誌，幻想用『純藝術』來復興法國電影。他在理論上提出一些含糊不清的慨念，如『上鏡頭性』等，在創作實踐上則團結一批有才氣的電影創作者如亞勃‧岡斯、賈曼‧苣拉(Germaine Dulac)，馬賽‧赫比爾(Mracel L’Herbier)和尚‧艾普斯坦(Jean Epstein)等，以及一些在商業上已取得成功的電影導演，力求在影片公司的老闆們出於商業目的而打算拍攝的影片中暗地進行一些革新。
印象派的風格部分源自於這些導演視電影為一種傳遞藝術家個人視野的表達形式，認為藝術並不能製造真實，而是在創造一種經驗，這種經驗導引觀者產生情緒，藝術同時也不是以直接的陳述來創造情感，而是以喚起或啟發的方式達成。因此，藝術作品能夠創造一些飄渺的感覺或者說是一些印象。

從1905年到1907年是美國五分錢戲院大大流行的時期，為日後的電影戲院奠定了相當的基礎。而另外在1905～1915年這十年間也是好萊塢電影工業漸漸成形的時間。
美國最早的電影公司，都是設立在紐約或紐澤西。其他的製作公司出現在芝加哥（塞爾立、艾善聶）、費城（魯賓），或在東部和中西部的其他地方。因為電影工作者都在戶外或有陽光照射的玻璃攝影棚內拍攝影片，不良的天氣會阻礙攝製的進行。電影專利公司在1908年形成之後，有些電影公司到了冬天，就派遣他們的製作小組到陽光普照的地方拍攝；紐約的電影公司會前往佛羅里達，而芝加哥的電影公司傾向選擇西部地方。在1908年，塞爾立的一個製作小組，就在洛杉磯一帶的地方拍攝電影。許多其他的公司逾1910年，開始在洛杉磯一帶進行拍片工作。
1910年代初期，洛杉磯地區成為美國的主要電影製作中心。這個地區之所以能夠成為美國電影工業發展的重鎮，是因為它具備了許多有利的條件，包括了：晴朗乾燥的天氣，能夠允許一年四季在戶外進行拍攝，而南加州多樣的景觀像海洋、沙漠、山岳、森林和丘陵更是提供了取景的多樣選擇。同時，在此時期，西部片成為最受歡迎的美國電影類型，這些影片在西部的實景拍攝，比起在紐澤西拍攝，看來要真實的多。在洛杉磯近郊一個名為好萊塢的小地方，也成為許多片廠設立的其中一個地點，這個名稱最終之所以會成為整個美國製片工業的代表，事實上是由於許多決策是由位於紐約的總公司所裁定的，好萊塢的片廠便很快的由露天的塔台，發展成為有密閉影棚和無數部門的龐然大樓。

1985年的12月28日，發生了影史上最為著名的一次電影放映活動。地點是在巴黎葛蘭咖啡廳（Grand Cafè）的房間內。當年的咖啡廳是人們聚會的場所，除了品嚐咖啡、看報，並有歌唱和表演的娛樂。當天晚上時髦的顧客付一法郎的門票，觀賞一個十部影片的二十五分鐘節目，每部片長大約一分鐘。其中包括近景的奧古斯都‧盧米埃夫婦，一同餵食他們的嬰兒，一段安排好的喜劇場面，片中一名男童腳踩水管突然放鬆，正在澆水的園丁被噴灑一身的惡作劇，以及一個海洋的景觀等。雖然這個第一次的映演票房平平。幾週之後，盧米埃兄弟就接獲一天二十場的秀約，觀眾們也大排長龍的等著進場觀賞。他們很快的利用這個成功的機會，派遣業務代表遠征全球各地，展示影片之外，並且拍攝更多影片。盧米埃兄弟在電影史上做了很多重大的決定，影響了後大電影發展的歷史，其中包括了他們是以每秒十六格來拍攝影片（不同於愛迪生所採用的每秒46格），這樣的速率在往後的五年裡，成為國際間標準的影片平均速度，第一部以這種系統拍攝的影片是1895年3月拍製的《工廠下班》。
值得一提的是1985年的12月28日當天，喬治‧梅禮葉同時也參與了這場放映的盛會，並且第一個出了一萬法郎的高價想要購買放映機，但是盧米埃對於隨後爭相出現的高價位並不感興趣，只是善意的回答：「這個器材是個大秘密，我不賣，我自己想擁有它，獨家經營。」梅禮葉對這件事情的結語是：「我們走了，一方面很高興，但另一方面非常失望且不滿，因為我們馬上瞭解這項發明將帶來龐大的金錢收益。」一般來說，評論家認為，電影一出現就被放置在如此拜金的標誌之下，這項真實性並不是虛構出來的。

這一系列的文章是小仇在「當代電影理論」課堂上羅伯特‧陳師所出的作業。

所參考的書籍涵蓋了在國內電影教育具有舉足輕重並且是學習電影的電影史專著「電影百年發展史」、以及蒐集了大大小小有趣的小故事的「電光幻影一百年」和由香港三聯書店所出的「電影」速成讀本。這幾本書對於想多瞭解電影的有趣與奧秘，但是卻又不想花太多時間看專門的研究書籍的人來說，是很不錯的入門書籍，可以當作是在看故事一樣的來閱讀。
而我們偉大的羅伯特‧陳所出的這項作業，目的是要讓我們重新檢視電影這一百多年以來的歷史，希望我們以自己的觀點，將電影史以十年為一個單位，從這十年之中挑選自己認為最有趣or做具影響力or最有代表性的事件（或是運動等），來作一個記錄。

無名的東西 已經搬的差不多囉
剩下一些日記就留在那裡吧～
有興趣的可以去看看^_^
http://www.wretch.cc/blog/vernace&category_id=196053

我讀鍾曉陽的時候
大概是高一的時候吧
1981 曉陽19歲的時候就寫下了 停車暫借問
我愛這本書愛了很久了
從高一到現在...